Jesús de Montreal - Sobre milagros y dobles lecturas

"¡La vida no puede consistir en esperar la muerte lo más confortablemente posible! ¡Puede que yo sea naíf, pero tiene que haber más!."
Del filme "Jesús de Montreal" de Denys Arcand
(Original en francés, si alguno consigue el texto en francés le agradeceré me lo haga llegar)


"There's got to be more to life than just quietly waiting for death! I may be naive, but there must be more!"
From the film "Jesús of Montreal" by Denys Arcand
(Original dialogue in French, if anyone have the original French script I woul apprecciatte to have it)




Jesús de Montreal es una película que se estructura sobre diversos niveles argumentales, es decir, permite varias lecturas. La primera, claro está, es la anecdótica, lo que sucede alrededor de un actor que interpreta a Jesús en una obra teatral llegando con la palabra del profeta a los corazones y conciencia del público. Otra lectura permite establecer una simetría entre lo que sucede en el presente y lo que cuenta la Biblia sobre la vida de Jesús. Los símbolos y metáforas son muy sugerentes, el arte teatral representando la redención, el ambiente publicitario representando al pecado. Así, fuera de escena, los personajes devienen en apóstoles y discípulos, obispos en sumos pontífices, también hay un Pedro, una María Magdalena, un Judas, un Pilatos, un Caifás, incluso, un moderno Satanás lleva a nuestro "Cristo-Actor" al "pináculo del templo" (un moderno rascacielos) para mostrarle lo que podría darle si siguiera sus consejos. Hay más escenas de la Biblia traídas al siglo XX, como la de Jesús en el templo, volcando las mesas de los mercaderes, el templo es ahora un teatro y en él se realiza un casting publicitario, y así como Cristo echa a latigazos a los mercaderes, el moderno Jesús se enciende en ira contra los productores publicitarios. Luego hay un juicio en donde el acusado defiende su culpabilidad. Y como no podia ser de otra forma, también hay una muerte y una resurrección (simbólicas), un intento de fundar una "Iglesia" (una compañía teatral), y un cisma. La historia se corona por verdaderos milagros, pero no de naturaleza divina sino de la mano de la ciencia. El mensaje final está en clave lírica y sucede en modernas catacumbas (el metro), que ofician como refugio del arte. Todo en esta película ocurre como un espejo de la historia, un reflejo verosímil, simple y sustancioso.

Jesús de Montreal es una película brillantemente guionada, dirigida e interpretada, con un manejo de las segundas lecturas verdaderamente original, sutil, respetuoso y delicado.

Jesús de Montreal, Canadá (1989) / Género: Drama
Dirtector: Denys Arcand / Guión: Denys Arcand
Producción: Coproducción Canadá-Francia / Música: Yves Laferriere / Fotografía: Guy Dufaux
Reparto: Lothaire Bluteau, Catherine Wilkening, Johanne-Marie Tremblay, Rémy Girard, Robert Lepage, Denys Arcand, Yves Jacques, Gilles Pelletier
Nominada al Oscar para la mejor película extranjera.


Sinopsis
(no se revelan datos relevantes del argumento)
Un joven y desconocido actor, Daniel Coulombe, es convocado por un clérigo para representar "La Pasión de Jesucristo" en los jardines de la Catedral de Montreal. Forma para ello una compañía de actores que, así como Jesús a sus apóstoles, va buscando en diversos ámbitos. Uno hace doblajes de películas porno, otro hace locusión de documentales (este pone como condición para participar en la obra, incluir el monólogo de Hamlet), una hace publicidad y otra hace ayuda social. Se conforma así la compañía teatral y desarrollan el guión para la obra, presentando un Cristo revisitado, condimentado con comentarios de descubrimientos arqueológicos, históricos y científicos. Esta aparente contradicción entre la presentación de un Cristo bíblico y uno histórico, se ve contrapuesta al efecto que la interpretaciòn causa entre los expectadores. Las prédicas de Jesús, cuan palabras vivas, logran llegar al corazón y conciencia de los oyentes, pero también conmueven los intereses de las autoridades eclesiásticas, quienes advertirán que la obra representa un peligro para la institución y ordenan su clausura.

Comentario sobre el final
(Atención a quienes deseen verla, en este párrafo se cuenta parte del final)
A pesar de haberse clausurado la obra, los actores deciden hacer una última representación. El público llega y la obra comienza, pero hacia el final, guardias de seguridad irrumpen para detenerla. Con Cristo clavado en la cruz y los guardias pidiendo al público que se retire, se sucede una escaramusa que provoca que se caiga la cruz con el actor en ella, quien pierde el conocimiento al golpearse la cabeza contra una roca. Una ambulancia se lo lleva de urgencia acompañado por las dos actrices de la companía. Mientras esperan en la sala de guardia de un hospital público, Daniel recupera el conocimiento, y se levanta (muerte y resurección). Dice sentirse bien y pide retirarse. Salen los tres caminando lentamente, el actor está callado, en shock, todavía tiene puesto el vestuario de Jesús que tenía en la obra. Es de noche, caminan hasta el metro. Mientras esperan el tren Daniel comienza a delirar y como si fuese el mismo Jesús, predica el evangelio a la gente del subte. Luego de un rato parece calmarse y recuperar el sentido. y dice:
"El teatro, la ópera, las grandes obras, los grandes edificios... se hicieron porque no hay felicidad... las fuentes de la felicidad están escondidas... A mi..., mi padre me abandonó..."
Dicho esto, se desvanece y cae muerto.

Fernando M. Sassone
www.finisafricae.com.ar / www.cineticon.com.ar

Las confesiones del Sr. Schmidt - Una vida Triste

Las confesiones del Sr. Schmidt / USA / 2002
Título original: About Schmidt
Dirección: Alexander Payne
Elenco: Jack Nicholson (nominado para el Oscar como mejor actor) y otros: Hope Davis, Dermot Mulroney, Kathy Bates (nominada para el Oscar como actiz de reparto), June Squibb...

La película cuenta la historia de un pobre tipo que lleva una vida petética. Warren Schmidt es un empleado jubilado, con una vida tranquila y autosuficiente y una actitud despectiva para con el mundo y la gente que lo rodea, especialmente hacia su esposa. Todo cambia cuando ella fallece, y él comienza un proceso de valoración del mundo, de su entorno y de sí mismo.

Pareciera un buen argumento, pero es una película lenta, casi aburrida, profunda en apariencia, pero bastante superficial y anecdótica. Los personajes son grotescos, obvios y aburridos. Las situaciones son: grotescas, obvias y aburridas. Uno se pregunta si la película sobrevive únicamente por la interpretación de Jack Nicholson, y no porque haya hecho una gran interpretación, Nicholson interpreta ese rol de ser humano patético que tan bien hace, (como la mayoría de los actores norteamericanos, en el fondo, siempre se interpreta a si mismo) y eso a la gente le gusta, porque tiene mucho carisma. Y justamente por eso parece que su protagónico fuera la única razón de existir de la película. Creo que antes de hacer la película, el director debiera haberse preguntado (así como hizo Sofía Coppola con "Perdidos en Tokio" y Bill Murray) si la película resistía la posibilidad de que no sea Nicholson quien la protagonizara. Yo estimo que se hubiera preocupado por hacerla más profunda. Un actor más dramático, como por ejemplo el excepcional F. Murray Abraham (quien interpretó Salieri en el Amadeus de Milos Forman), hubiera logrado un drama real y hasta le podría haber dado toques de comedia con una altura inaccesible para Nicholson, quien, en cambio hizo un show de si mismo y la película quedó sin esencia y sin sustancia.

Quitando la comedia barata y el grotesco malogrado, la película sí refleja una realidad: la vida puede ser muy triste y solitaria. Tambien contiene algunas reflexiones interesantes, lugares comunes tal vez, pero reales. La útlima escena puede que arranque alguna lágrima, ese gesto de Nicholson vale la pena, al menos algo le salió bien.

Fernando Marco Sassone
para Cineticón - http://www.cineticon.com.ar/

P.D.
El guión tenía algunas analogías con la genial novela "El Agua" del argentino Enrique Wernicke.

Starwars, Episodio III, el mejor de la saga.

No soy un gran fan de la saga de la Guerra de las galaxias, pero las disfruto mucho. Reconozco que cinematograficamente tienen un valor muy relativo, pero eso no quita que puedan ser un gran divertimento. Dejando de lado los efectos y toda esa parafernalia, de todos los episodios (sin considerar el primero, que no vi) el tercero es el mejor. Es en el cual la historia adquiere reales dimensiones de drama, situación de la que, sin embargo, no han sacado todo el provecho que se hubiera podido.
El drama se concentra en el temor de Anakin (el futuro Dart Vader) a perder a Padme, su esposa, y en lo que sería capaz de llegar a hacer para mantenerla a su lado. Para empezar, el actor que interpreta a Anakin es interpretativamente muy limitado, y el guión que le toca tampoco lo ayuda mucho. Pero lo más lamentable es la escasa o nula química entre los enamorados. Ni en este ni en el segundo episodio, donde comenzó el romance, el director logra darle profundidad o credibilidad a la relación. Padme es madura, inteligente, comprometida, toda una mujer, y Anakin es un muchacho caprichoso, inmaduro, prejuicioso y muy limitado intelectual y emocionalmente. Es poco creíble que Padme se enamore de semajante pelmazo. De lo que uno duda es de si este perfil descripto para Anakin, es algo real en la historia, o es un problema de guión. Pero como decía anteriormente, el guión no ayuda creer en esa pareja despareja, el director no logra expresar que entre ellos existe una relación verdaderamente intensa. De ahí en más, todo tiene un dejo de inverosimilitud. La película tiene lindas escenas, pero montadas azarosamente, hay poca relación de continuidad y toda la película parece un gran collage de fabulosas escenas, endebles en su conjunto para la narrar una historia que ya conocemos o prevemos. Ninguna de estas escenas parece tener más carga o intensidad que la otra, la lucha clave entre Anakin y Obi Uan Kenovi no deja de ser como cualquier otra lucha de las tantas del filme, ni la decepción de Obi Uan al enfrentar a su amigo, ni siquiera el momento en que Anakin se entera de la muerte de Padme...
El hecho de que se trate un verdadero drama moral hace de esta película, de mediocre guión y narrativa, la mejor de las 5 entregas que pude ver (no vi Episodio 1), y una justificación para toda la saga.

Fernando Sassone
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Fernando Marco Sassone
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El objeto del cine, Claude Chabrol

"De la gente que va al cine, algunos van para aprender, otros para ver cosas bellas, algunos para distraerse y otros, que son los peores, para olvidar. Yo no quiero que olviden, sí quiero que se distraigan. ¡No se si algunos aprenderán! Pero lo ideal es que los ayude a vivir, que los haga pensar para ayudarlos a vivir. Y no creo que una inyección de morfina los ayude a vivir. Eso solo calma el dolor."

Claude Chabrol

Siempre me debatí entre la paradoja de considerar al cine como un arte de lo más sublime y su innegable función de opio, de evasión, por más que el tema sea profundo... tengo la sensacón de que me gusta tanto el cine justamente por la ausencia de más éxtasis cotidianos. Chabrol toca el tema sin pruritos, y opina con cierta humildad dejando en claro una opinión social tremenda. Muchos buscamos al cine como morfina, buscamos sueños, o dormir... y eso no sirve para vivir... ¡Muy bueno Chabrol!

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Fernando Marco Sassone / Yörik
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Franz Kafka y los mitos modernos

Prometeo

De Prometeo informan cuatro leyendas. Según la primera, fué amarrado al Cáucaso por haber revelado a los hombres los secretos divinos, y los dioses mandaron águilas a devorar a su hígado, perpetuamente renovado.

Según la segunda, Prometeo, aguijoneado por el dolor de los picos desgarradores, se fué hundiendo en la roca hasta compenetrarse con ella.

Según la tercera, la traición fué olvidada en el curso de los siglos. Los dioses lo olvidaron, las águilas lo olvidaron, él mismo se olvidó.

Según la cuarta, se cansaron de esa historia insensata, se cansaron los dioses, se cansaron las águilas, la herida se cerró de cansancio.

Quedó el inexplicable peñasco.

La leyenda quiere explicar lo inexplicable. Como nacida de una verdad tiene que volver a lo inexplicable.

Franz Kafka


¿Cómo es posible tanta profundidad y contenido en tan solo unas pocas líneas? Este magistral cuento lo tiene todo. Tratar el tema de Prometeo como un ensayo mínimo es de por sí una gran idea. Se entiende de qué se está hablando: del misterio del hombre, su origen y su destino. Prometeo nos evoca a la cultura, la historia, la mitología y la filosofia... La estructura del cuento es una obra maestra en sí misma y su forma sintética, profunda, metafórica y figurativa es una muestra de la genialidad de su autor. Las diversas hipótesis planteadas son un signo del propio misterio y el reflejo de nuestra incertidumbre. La útlima hipótesis:

"Según la cuarta, se cansaron de esa historia insensata, se cansaron los dioses, se cansaron las águilas, la herida se cerró de cansancio.", es la versión moderna del mito, a la vez patética y cómica. Resulta sorprendente que haya encontrado espacio para el humor en una composición tan breve y produnda. La secuencia de hipótesis concluye con la frase:

"Quedó el inexplicable peñasco."
Cuatro palabras que nos traen la formidable imagen teatral, dramática y épica del peñasco vacío. ¿Qué podría ser más dramático en esta historia que el escenario sin su protagonista? Es el mito vacío de sí mismo. ¿Qué podría ser más real y crudo que ese asolado paisaje? Y allí nos encontramos a nosotros mismos, solos, contemplando, testigos de un misterio que continúa vigente.

Las útlimas dos oraciones del texto me han inquietado profundamente.
"La leyenda quiere explicar lo inexplicable.
Como nacida de una verdad tiene que volver a lo inexplicable."
Asociar a "la verdad" con "lo inexplicable" es el planteo de una paradoja para reflexionar largamente.

Kafka nos transportó del pasado al presente y del misterio a la realidad solo para llevarnos de la realidad nuevamente al misterio.

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Fernando Marco Sassone / Yörik
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Cacomando

Mi blog de humor comienza... espero que alguien se ria.. si sucede háganmelo saber

http://cacomando.blogspot.com/

Equus, un cuestionamiento de fondo.

Eqqus, la celebrada obra de Peter Shaffer llevada al cine por Sidney Lumet

Martin Dysart, un psiquiatra que atiende a adolescentes, se enfrenta a un problemático caso, descubriendo que lo que pudiera verse como un desorden mental del paciente, podría también ser un fenómeno único. Esto lo lleva a cuestionarse su rol como profesional, su misión social, acostumbrado a reprimir en sus pacientes esas características que los hacen únicos en pos de un modelo de normalidad estereotipizada.

La película, dirijida por Sydney Lumet y con guión y adaptación del propio Peter Shaffer (The Royal Hunt of the Sun, 1969 / Equus, 1973 / Amadeus, 1979) mantiene los monólogos de la obra teatral original, desición especialmente grata cuando quien interpreta al Dr. Martin Dysart es nada menos que el excepcional Richard Burton, con una potencia interpretativa posiblemente ligada al hecho de que él mismo haya protagonizado también una de las versiones teatrales más aclamadas de esta obra. Burton nos entrega a un pesonaje atormentado y desencantado. Peter Firth, otro actor como pocos, también con la experiencia previa de haber actuado junto a Burton en la obra teatral, se pone en la piel de Alan Strang, el joven bajo tratamiento, confiriéndole un carácter realmente único: pasión, ingenuidad y fragilidad. Después de su interpretación uno no puede imaginarse a otro actor en ese rol; su mirada, inocencia y poder interpretativo es es único. El elenco se completa con la belleza británica de Jenny Agutter que pone la necesaria nota femenina. Todo cae donde debe caer y se redondea con la magistral e inquietante música de Richard Rodney Bennett, con característicos intervalos menores que dan la pauta del ambiente de suspenso y una melodía principal que comunica nostalgia, desencanto y tristeza, una atmósfera perfecta para la película. Equus, una película maravillosa de una obra maravillosa. ¿Qué más se puede pedir? Nada más, solo dedicar un momento a la reflexionar.
NOTA: Los links son de Wikipedia en inglés.

Minitrailer: Vea un pequeño trailer de la película

Para escuchar los monólogos
http://www.ipernity.com/blog/yorik/39945

Equus - Ficha TécnicaAño: 1977 / Duración: 137 min.Director: Sidney Lumet / Guión: Peter Shaffer (Basada en la obra teatral homónima de Peter Shaffer) / Musica: Richard Rodney Bennett / Fotografía: Oswald Morris / Reparto: Richard Burton, Peter Firth, Colin Blakely, Joan Plowright, Eileen Atkins, Kate Reid, Jenny Agutter, Harry Andrews

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Fernando Marco Sassone / Yörik © 2007
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En preparación

- La vida en rosa, La vida de Edit Piaf, no me aucuerdo el nombre del directos, Dan algo...
- Melinda & Melinda, de Woody Allen
- El Ilusionista, tampoco me acuerdo el director...

Muy pronto en Cineticon

De Woody Allen a Patricia Highsmith, pasando por Hitchcock

Sobre referencias y homenajes de ciertos autores hacia otros, mi torcida y elucrubradora mente ha encontrado, o concebido, una cadena de referencias y relaciones desde el cine a la literatura y de vuelta al cine.

"Extraños en un tren", la primera novela de la genial Patricia Highsmith cuenta la historia de un arquitecto, Guy Haines, que se ve envuelto en un mefistofélico plan de asesinato. Guy emprende un viaje en tren a su pueblo natal, para convencer a su ex-pareja de que le de el divorcio para poder continuar con su ascendente vida personal y profesional. En el tren conoce a un extraño personaje, Bruno Anthony, un joven cínico y hedonista, hijo de un millonario, obsesionado con planificar un crímen perfecto, y con desembarazarse de su padre, quien resulta un obstáculo para continuar con su vida licenciosa y decadente... Durante la noche, Bruno y Guy comparten la cena en un vagón privado y con unas copas de mas, mantienen una asimétrica conversación en donde Bruno tira de la lengua de nuestro arquitecto y deduce que así como su padre en su vida, la esposa de Guy se interpone en la de él. Comienza entonces a hablar de crímenes perfectos y le propone asesinar a su esposa a cambio de que él asesine a su padre. Este es el punto de partida de la genial novela de Patricia Highsmiths llevada al cine por Alfred Hitchcock ("Extraños en un tren" o "Pacto con el diablo").

Hitchcock, al adaptar la novela, cambia la profesión del protagonista de arquitecto a tenista.

Woody Allen, en su genial película "Crímenes y Pecados" (Crimes & Misdemeanors), nos cuenta la historia del Doctor Oftalmólogo Judah Rosenthal (interpretado magistralmente por Martin Landau) que ha mantenido un amorío extramatrimonial durante varios años. Ya en la cumbre de su carrera profesional y con miras a retirarse, su amante (Angelica Houston) le reclama que deje a su esposa y lo amenaza con revelar su secreto. De a poco Judah se va convenciendo de que la única solución es el asesinato.

En su reciente película "Match Point", Woody Allen retoma esa misma línea argumental en un entorno y circunstancias diversas pero con una misma esencia. Y esta vez la profesión del protagonista también cambia... de médico a tenista...

Dirán que mi relación es agarrada de los pelos, o un detalle o circunstancia sin importancia... pero, el asesinato, la disyuntiva moral y social, la clase media y la clase alta, el hombre común, la suerte, la fortuna y finalmente... "el crimen y castigo"... son elementos presentes en estas historias. Las películas de Woody Allen están llenas de homenajes, a veces más otra veces menos evidentes, como "Sombras y niebla" homenajea a la versión cinematográfica de "La ópera de los tres centavos" de Bertolt Brecht o "Misterioso asesinato en Manhattan", hacia su final, a "La dama de Shangai" (The Lady of Shangai) de Orson Welles o "La última noche de Boris Grushenko" (Love and death) se presenta casi como una sátira de "Barry Lindon" de Kubrick, aunque las dos fueron realizadas en 1975...

Lo que yo creo es que Woody Allen, que no es ningún sonzo, y es respetuoso de sus mayores, ha realizado un sutil doble homenaje en la elección de la profesión del protagonista de "Match point". Son solo guiños, cierto, pero es el cine autoreferenciándose... es el arte hablando del arte.

En el final de "Crímenes y pecados" el personaje Judah Rosenthal mantiene una charla con otro personaje que es director de cine (interpretado, claro, por el propio Woody Allen) y le cuenta su propia historia como si fuera un guión para cine, a la cual Woody Allen le objeta el final, ya que según él, para que hubiese drama, el amante asesino debiera entregarse mortificado por la culpa... a lo que Judah, le contesta:

"Ja!, usted es director de cine, claro, pero esto no es cine, es la vida real..."


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Fernando Marco Sassone / Yörik
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2001: Stanley Kubrick vs. Arthur C. Clarke

2001: Una odisea Espacial, película de Stanley Kubrick. El guión cinematográfico realizado en colaboración por Kubrick y Clarke, es anterior a la novela de Clarke.
Stanley Kubrick y Arthur C. Clarke, dos maneras de contar... algo distinto.

En 1968, Arthur C. Clarke, escribía en la introducción de su novela "2001. Una odisea espacial" que por cada hombre viviente, la humanidad contaba con 30 hombres muertos. Más de cien mil millones de seres humanos han transitado por este planeta y desaparecido. Muy pronto todos nosotros pasaremos a engrosar ese ejército de seres no vivos... Tal vez por eso nos esforcemos tanto por trascender de algún o cualquier modo, con nuestros hijos o nuestras obras, dejar un legado, algo de nosotros. Pero nadie nos puede develar qué nos depara el polvo en el que nos convertiremos. Dicen ciertos biólogos, genetistas, que el deseo de trascender es un instinto, un mandato genético, un reflejo que garantiza la continuidad de la especie. Los científicos siempre se las ingenian para desalentar la mística o la metafísica de nuestros actos o pensamientos. Pero si nos atenemos a las leyes físicas y astrofísicas, la extinción de la especie y el final de todo, son un hecho inevitable. Este mundo alguna vez desaparecerá. Cuando el sol se apague, la tierra será un planeta muerto. Pero para entonces ya habremos desaparecido hace tiempo. Mucho antes de enfriarse, el sol sufrirá algunas transformaciones que provocarán el sobrecalentamiento de la Tierra y los planetas interiores, haciendo imposible la vida humana.
Nos reconocemos finitos como individuos, pero tendemos a concebirnos eternos como especie. A pesar de las alarmas ambientales que vaticinan las más variadas catástrofes, no solemos aceptar un final para la humanidad. Estar destinados a la extinción es un pensamiento extraño, inconcebible, inaceptable. Puede que ese fatídico destino esté demasiado lejos como para preocuparnos, pero el final individual está a penas a unos cuantos años de distancia, días u horas para algunos. Ante el hecho de dejar de existir experimentamos temor o incertidumbre, pero si reflexionamos lo suficiente sobre ello, puede que un nuevo sentimiento se apodere de nosotros: la curiosidad. ¿Tendrá el hombre la capacidad de trascender a su existencia física?
Ese es el tema de la novela "2001: Una odisea espacial". No se habla de Dios, sí de "dioses", no se habla de alma, sí de ciencia y evolución. Un relato largo y lineal que comienza en la prehistoria con el inicio de la vida del hombre como especie, y concluye con su "destino final" en el cosmos. Pero en medio de esto solo hay sucesos no más interesantes que anecdóticos. Aunque también engañosos: En el contexto del viaje interplanetario, en un momento para nada especial de la narración, el protagonista plantea una tesis de cómo el hombre podría lograr la eternidad. Es una desapasionada y despreocupada reflexión del protagonista en una de las tantas descripciones y explicaciones que tiene el libro. La idea no se presenta con magistral prosa, ni es producto de la magia de una narración fantástica, tampoco es el resultado de una serie concluyente o consecuente de acciones ni pareciera ser una idea central en la narración, pero al llegar al final de la obra nos encontramos con que esta tesis se convierte en una realidad. Un final ingenuamente (por no decir "estúpidamente") anticipado por el mismo autor. Nunca había leído en una novela una gratuita anticipación del final. Reconozco que el tema es interesante y que hay originalidad en el planteo de este destino final del hombre, pero resulta realmente decepcionante la forma en como ha sido planteado.
El último capitulo, de solo media página de extensión, no es de recomendable lectura. Semejante a un epílogo, intenta seguir echando luz sobre un tema de por sí oscuro, llevando la narración a un punto tan explícito y anecdótico que a mi entender perjudica gravemente a la historia. Pero podemos perdonar este último error y el infantilismo de su redacción, porque de una manera especial, la novela complementa a la película a modo de contrapunto. Afortunadamente, Kubrick, evitó todo tipo de explicitación limitándose a poner imágenes, música y sonido a una maravillosa crónica cósmica, evitando dar respuestas y conclusiones y ofreciendo un final que permite más de una interpretación.
La lectura de la novela no ha sido reveladora, no ha encendido ese fuego interior que aviva la literatura con mayúsculas, pero su lectura ya se justifica con la visión previa de la genial película, que sí logra encender nuestras fibras metafísicas, motivándonos a reflexionar sobre lo que la novela evade: reconocer el misterio de nuestro destino final.
Tal vez y justamente porque la novela fue posterior a la película, Arthur C. Clarke intento con ella mitigar su propio desconcierto ante los misterios que Kubrick prefirió librar a nuestra imaginación.


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Fernando Marco Sassone
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Ficha TécnicaTítulo 2001: A Space Odyssey
Año 1968 / Duración: 139 min. / País: Inglaterra - EEUU
Director: Stanley Kubrick
Guión: Stanley Kubrick & Arthur C. Clarke (la novela de Arthur C. Clarke es posterios al guión)
Fotografía: Geoffrey Unsworth
Productora: MGM
Música: Richard Strauss, Johann Strauss, Gÿorgy Ligeti, Aram Kachaturian.
Reparto: Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester, Daniel Richter, Douglas Rain (HAL 9000 voice), Laonard Rossiter, Margaret Tyzack, Robert Beatty, Sean Sullivan, Frank Miller, Penny Brahms, Alan Gilfford, Vivian Kubrick

El relato (¿crónica?) comienza en la prehistoria, con una manada de monos que será tocada por "los dioses"

En el otro extremo de la historia, en la era espacial, durante un viaje interplanetario, el hombre, un hombre, encontrará tal el destino final de la especie.
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Fernando Marco Sassone
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Diálogos de películas, "Hannah y sus hermanas", de Woody Allen

Lee, una de las hemanas de Hannah (interpretada por Barbara Hershey), llega a su departamento y se encuentra con su pareja, Friedrich (Max Von Sidow), quien está viendo televisión.

Friedrich le dice:
Te perdiste un triste programa sobre Auschwitz. Más estractos horrorosos y más intelectuales que hablan de la impresión que les causó el asesinato sistemático de millones de personas. La razón por la que nunca responderán a la pregunta: "¿Cómo pudo suceder?" es porque esa es la pregunta equivocada. La pregunta debería ser: "¿Por qué no ocurre más seguido?" Por supuesto que ocurre, pero en formas más sutiles.
Hace siglos que me siento frente al televisor cambiando los canales para encontrar algo. Puedes ver a toda la cultura... nazis, vendedores de desodorantes, luchadores, concursantes de belleza, entrevistas... ¿Puedes imaginarte el nivel intelectual de quien mira las luchas? Pero lo peor son los predicadores fundamentalistas, estafadores que les dicen a los tontos que hablan con Jesús, y que por favor envíen dinero, "¡dinero, dinero, dinero!". Si Jesús regresara y viera lo que sucede en su nombre, no pararía de vomitar.

Lee contesta:
¿Podrías parar?, no estoy de humor para un repaso de la sociedad contemporánea otra vez...


En esta película me encanta el papel que hace Michael Caine, un esposo patetico y víctima de su esposa Hannah (Mía Farrow), esas mujeres dominantes que se visten de cordero. Aburrido de su estructurada vida matrimonial, Caine empieza a fijarse en su joven cuñada Lee (Barbara Hershey), por la que empieza a sentir un amor desenfrenado y trata de conquistarla. Resulta grotesto ver su iniciativas para conquistarla, como el planificado "encuentro casual"... y tiene éxito! Luego se revela contra su esposa Hannah (alguien tenía que hacerlo!). Y a propósito de Hannah, qué papeles los que le da siempre Woody Allen a a Mía Farrow, se los debe elegir a propósito porque ella debe ser parecida a esos personajes, dominante y calculadora que da la aparencia de una mosquita muerta pero es una fiera... al menos es la idea que uno teje en la fantasía sobre ella... me la imagino así. Si bien en la película Alice, su personaje ahí al menos resulta querible... pero en "Maridos y Esposas" uno la quiere asesinar... Volviendo a Hanna y sus hermanas allí es Michael Caine quien se lleva los laureles... qué actorazo! El mes pasado vi otra vez "Educando a Rita", donde hace de un profesor universitario, borracho, desencantado del mundo. Que bién le caen ciertos papeles a este tipo!

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Fernando Marco Sassone / Yörik
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Nunca es tarde para cambiar / Woody Allen

Another woman (Otra mujer)
Año/Pais: 1988 / Estados Unidos
Director: Woody Allen
Reparto: Gena Rowlands, Gene Hackman, Mia Farrow, Ian Holm, Blythe Danner, Martha Plimpton, Josh Hamilton

Un relato profundo y una narrativa excepcional
Una película con un ritmo pausado y reflexivo. El director nos llevará por la vida de Marion, una profesora de filosofía muy conforme con su vida y relaciones hasta que una serie de sucesos fuera de lo común la hacen reflexionar sobre sí misma, su forma de ser y sus relaciones. El gérmen y la pieza clave de su crisis será una mujer desconocida, que no tiene nada que ver con ella ni con su entorno, pero que sin embargo cambiará su vida para siempre. Un relato profundo de una introspección llena de angustias, emociones y esperanza.

Woody Allen nos lleva del presente al pasado y al subconsciente de la protagonista de una forma natural, mágica y conmovedora. El relato se estructura en forma muy original mediante una sucesión sincronizada de coincidencias y casualidades que cambian el destino de la protagonista, y que más allá de lo verosímil que sean, representan en todo caso una síntesis de lo que podría ser una situación real, y en última instancia son una mera cuestión de género cinematográfico, en donde se condensan las situaciones dramáticas y sus consecuencias. Pese a la cruda realidad de lo que descubre la protagonista en su introspección, la historia tiene un mensaje conmovedor de esperanza y optimismo.

La Trama
Una mujer que llega a los 50 años con el convencimiento y tranquilidad de que ha hecho lo correcto durante toda su vida. Muy conforme de sí misma y sus relaciones. Hasta que decide alquilar un departamento para poder escribir tranquila su nuevo libro. Este departamento tiene un defecto de aislamiento acústico y por la ventilación del aire acondicionado se escuchan las sesiones de piscoanálisis del consultorio de al lado. Como las voces le molestan en su trabajo, bloquea la ventilación con almohadones, pero poco a poco su curiosidad hará que comience a escuchar las sesiones de una joven mujer. Estas escuchas le irán haciendo replantearse su vida y sus relaciones. Por casualidad, se encuentra en persona con esta mujer y mantienen una charla que luego será el tema de su la siguiente sesión de psicoanálisis, donde ella misma escuchará lo que esta mujer opina sobre ella, provocando el punto culminante de su crisis.

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Fernando Marco Sassone / Yörik
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La Armada Brancaleone, precursora de un género

Año: 1966 /País: Italia / Director: Mario Monicelli / Reparto: Vittorio Gassman, Catherine Spaak, Gian Maria Volonté, Maria Gracia Buccella, Barbara Steele, Enrico Maria Salerno, Folco Lulli, Carlo Pisacane

Una película para reirse a más no poder.
Esta película es una obra maestra del humor y de la interpretación. Su brillante trama y guión nos muestra las aventuras y desventuras de un caballero medieval de poca monta, Brancaleone de Nurcia (Vittorio Gassman), un noble decadente y desclasado (Gian Maria Volonté) y la banda de pícaros malvivientes que forman su séquito. Un guión realmente espectacular, con un desarrollo narrativo impecable y lúcido que no decae en ningún momento. La recreación de la atmósfera medieval no solo es comiquísima y satírica sino que además está realmente basada en la idiosincrasia y cultura de aquella época: el misticismo, la superstición, la exacerbada religiosidad, la gallardía y también el oportunismo y, la picardía de unos malandrines que a pesar de cada revés del destino, no pierden oportunidad de la cual sacar provecho.

Cada personaje principal está desarrollado en forma completa y cada personaje secundario responde a un estereotipo del medioevo. Se retratan situaciones y personajes típicos de esa época, como los monjes mendicantes, los predicadores, las peregrinaciones de los pecadores e infortunados a Tierra Santa, la peste, las cortes decadentes... El desarrollo de personajes como el monje "Xenón", o el viejito judío que lleva un enorme cofre a todas partes, dentro del cual duerme o se protege en situaciones de peligro, o el "hombre oso" son simplemente insuperables.

Precursora de las comedias medievales como la famosa "Los caballeros de la mesa cuadrada" de los Monty Python, película de la cual se puede decir que "La armada Brancaleone" es su referente único. Sin embargo, Brancaleone es a mi juicio muy superior, nada de lo que sucede es anecdótico ni un mero gag, y todo está al servicio de la historia y los personajes.
Tiene una secuela "Brancaleone en las cruzadas" (otra película más que increíble con una escenas de lucha de caballeros como jamás he visto, ni en las mejores películas de acción) y tengo entendido que hay una tercera "El hijo de Brancaleone". La armada Brancaleone es una de esas películas únicas, de culto.



La trama
Una banda de pícaros malandrines propone a Brancaleone de Nurcia, un un caballero de poca monta, hacerse pasar por el noble al que mataron y robaron un nombramiento imperial para gobernar una región del sur de Italia. Emprenderán una cruzada llena de desavenencias y terminarán sumándose a una peregrinación a Tierra Santa para "limpiar sus pecados", sin embargo el destino los pondrá nuevamente en el curso de su primera misión.

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Fernando Marco Sassone / Yörik
© 2007 Fernando Sassone. / www.cinematicon.com.ar/

Paul Bowles, el cielo Protector

Paul Bowles pone estas palabras en el personaje Port, de la novela "El cielo protector" (Sheltering sky), indudablemente un alter elgo suyo si consideramos la vida que llevó el escritor y su filosofía.La primera vez que escuché la frase fue en la película basada en la novela, llevada al cine por Bernardo Bertolucci. Es una de las poquísimas películas que me gustan de Bertolucci, quien a pesar de ser italiano, a mi juicio, no hace cine italiano... La frase la traduje del inglés, luego busco la versión original.

"Como no sabemos cuando habremos de morir... pensamos que la vida es un pozo inagotable. Sin embargo, las cosas suceden un número muy limitado de veces. ¿cuántas veces mas usted recordara una cierta tarde de su niñez, una tarde que es tan parte de su ser, que no se puede imaginar su vida sin ella? Tal vez 4 o 5 veces mas, tal vez ni siquiera eso. ¿Cuantas veces mas verá la salida de la luna llena? Veinte, tal vez. Y sin embargo, todo nos parece ilimitado"
Paul Bowles

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Selección y comentario por Fernando Marco Sassone / Yörik
© 2007 Fernando Sassone. / http://www.cinematicon.com.ar/

Vittorio Gassman y un "Grand Finale"

¿Porqué es maravilloso el cine italiano? Cuando veo cine Italiano clásico, no puedo menos que conmoverme. Fellini, Visconti, Risi, Pasolini, Scola, Monicelli... cuántos nombres!! y cuantos faltan nombrar! Definir el cine italiano es una empresa que no pretendo ahora, pero sí puedo citar tres de sus características a mi jucio esenciales: Una historia conmovedora, una interpretación sin igual y un sentido estético de lo narrativo. El cine italiano tiene magia, tanta magia como las interpretaciones de sus mounstros actorales, Gassman, Sordi, Mastroianni, Mandredi, Volonte
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Escribo todo esto pensando en el final de la película "Atenti ai ladri", (una secuela de "Los desconocidos de siempre", otra pelicula, de la decada del 40). Trata sobre dos pícaros malandrines ya entrados en años, que intentan realizar un operativo supuestamente fácil y con mucha plata de por medio. Es una comedia que gracias a la magia italiana, en los últimos 10 segundos, (si, leyeeron bien, los últimos 10 segundos) se convierte en un drama profundo y conomovedor. ¿Cómo puede ser posible esto?Uno de los miembros de la banda (Mastroianni) sale de la carcel y su amigo, Pepe Pantera, el jefe de la banda, (un ex-boxeador, interpretado por Vittorio Gassman) lo está esperando para armar un nuevo operativo... pero las cosas salen mal y Pepe Pantera debe ser internado de emergencia. Mastroiani asume el mando del operativo haciéndose pasar por Pepe Pantera. Luego de enredos y desastres, el operativo termina aparentemente con éxito y toda la banda de ex-malandrines se reune para festejar el éxito de la misión y el cumpleaños de su jefe Pepe "Pantera", quien acaba de salir del hospital. Están reunidos a la intemperie en una larga mesa bajo un toldo. Charlan y bromean sobre sus aventuras hastas que empiezan a cantarle el feliz cumpleaños a Pepe, quien se pone de pie y se prepara a soplar las velitas de la torta. Entonces aparece un extraño personaje, con aire conspicuo y lentes oscuros... es un matón que viene a vengarse por los enredos que causó el personaje de Mastroianni cuando se hizo pasar por Pepe Pantera. El matón no conoce a Pepe Pantera, pero se para frente él, que está por soplar las velitas y le pregunta:

- ¿Pepe Pantera?
- Sí - le contesta éste.

El matón levanta un arma y le apunta...Y atención, aquí viene la magia... voy a tratar de explicarlo bien... todo sucede muy rápido, en el instante desde que el matón le apunta con el arma hasta que una fracción de segundo despues le dispara (la acción corre en cámara lenta, para que podamos entenderla):

El matón está parado de frente a Pepe, a unos tres metros, levanta el arma y le apunta. Pepe no comprende por qué, pero sí comprende que llegó su hora, lo van a matar, y en un acto reflejo (recuerden que él es un ex-boxeador), pone sus manos en posición de guardia, como para hacerle frene a la bala, mira al matón a los ojos (mira a la muerte de frente), hace unos movimientos como si se preparara a esquivar un puñetazo y le tira una trompada (al aire), en ese momento recibe el balazo y cae muerto.

Ahi termina la película... y comienzan mis lágrimas...

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Fernando Marco Sassone / Yörik
© 2007 Fernando Sassone. / http://www.cinematicon.com.ar/

Metas e insatisfacciones

Cada vez que empiezo algo siento que se abren nuevas encrucijadas en mi destino, con el encanto y sabor de lo nuevo, lo prometedor, pero no sin cierto tedio, ya que mi mente siempre me proyecta hacia fabulosos lugares en el futuro a donde en la práctica nunca llego. Tengo al sensación cada vez más certera de que todo es efímero y leve. No hay duas de que mis fotos y escritos lo son, no porque los menosprecie sino porque no creo en que el arte o la cultura sean un fín en si mismos. Y a pesar de que me considero una persona reflexiva y profunda, siento efímera y leve mi propia existencia. Sé que no soy el primero ni será el último en sentir esto, pero que millones lo hayan experimentado o sufrido no evita que nuevas generaciones transiten por esa insatisfacción trascendentalista.

He concluído en que ciertas conductas inconscientes me llevan a hacer ciertas cosas para compensar diversas frustraciones que he vivido o vivo. Es muy fácil no darse cuenta por qué priorizamos cieratas cosas por sobre otras aparentemente más importantes. Por ejemplo he descubierto que mediante la difusión de mi obra fotográfica lo que en realidad buscaba era cierto reconocimiento para legitimización para mi trabajo, puede oirse obvio, pero no lo era cuando abri mi blog de fotografía. Y haber saboreado esa satisfacción me sirvió para darme cuenta de que aquella otra insatisfacción trascendental sigue allí. Puedo ahora poner las cosas en perspectiva y abocarme a un trabajo más serio, o más consciente.

Este nuevo blog intenta ser un camino con una meta concreta, no se trata de buscar reconomiento sino de lograr hacer de la escritura un medio de vida. Escribir sobre cine, fotografía y literatura es algo grato para mi, y si pudiera lograr ser remunerado por ello podría disfrutarlo con la tranquilidad de que no estoy desatendiendo el otro trabajo con el que logro sustentarme. ¿Suena bellaco? No lo creo, considero que es una noble ambición. Hoy empiezo un nuevo camino, veo la meta, no se si llegaré, pero estoy seguro de que en el camino a recorrer me esperan gratas sorpresas.

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Fernando Marco Sassone / Yörik
© 2007 Fernando Sassone. / http://www.cinematicon.com.ar/